La música, como el resto de las artes, es un producto de su época. No podemos concebir los cambios entre estilos, sin comprender los cambios sociales e ideológicos de esas épocas. Así, el camino del Barroco al Clasicismo, es un reflejo de los profundos cambios que se dan desde el siglo XVII al XVIII.
En el siglo XVII se produjo un gran crecimiento en el interés por lo científico y en las ganas de ampliar conocimientos en diversas áreas. La Tierra deja de ser el centro de la Creación para pasar a ser una mínima parte del universo, aparecen las ideas reformistas de Lutero y poco a poco se va perdiendo esa sólida base en la fe que todo lo controlaba hasta entonces. Incluso se van disolviendo las monarquías absolutas en muchos lugares.
Todos estos cambios verían continuidad también en el siglo XVIII, donde la idea de lo natural primaba por encima de todo. La naturalidad ganaba camino a lo ostentoso, recargado y artificial del Barroco. Además, el racionalismo era ya una realidad, tal y como probaban las primeras enciclopedias y los diferentes tratados científicos y filosóficos. También aparecen los ideales igualitarios y se desarrollan movimientos como la francmasonería.
En la música también van apareciendo tratados y diferentes escritos en los que los compositores analizan los fundamentos de la música. Las actitudes hacia la música también cambian y, al igual que el resto de las manifestaciones artísticas, se tiende a imitar a la naturaleza. Pero lo más importante es sin duda, que se exploran los poderes de la música en las emociones humanas.
También cambia la figura del artista y su papel en la sociedad. En el Barroco, el músico tenía un oficio como el de un sastre, o un herrero. Era una persona dotada para realizar un trabajo concreto, y que con estudio y esfuerzo, se puliría y refinaría para ser el mejor. Ahora, el músico es un genio. El artista ya no se hace, sino que nace. Además, el crecimiento de las editoriales, y especialmente de los conciertos públicos, harán que el músico no sea totalmente dependiente de la figura de los mecenas. Ya no se trata de agradar a un rey o a un noble en concreto. Los músicos del siglo XVIII, desde Couperin hasta Mozart, tratan de agradar a un público general y de arriesgar con sus impulsos creativos, sin necesidad de cerrarse a lo que una persona en concreto les exigía. Y ser músico ya no es solo ser intérprete o compositor en exclusiva. Ahora, incluso los compositores de más reputación también enseñan o publican libros.
Eso sí, en la vida siempre hay pros y contras, y todo este auge de las imprentas y las publicaciones también trajo algo negativo: la piratería. Así, los gobiernos de los diferentes países también tratan de proteger a los artistas, especialmente en Inglaterra, donde en 1709 ya habían creado el Decreto para la Defensa de los Derechos de Autor.
Tanto cambio social y político, también afectó a la música. Si en el siglo XVII se diferenciaban claramente los estilos musicales francés e italiano, en el XVIII, las diferencias desaparecerán, especialmente en el campo de la música instrumental.
Es la era del estilo galante. Un tipo de música instrumental que se traducía por algo así como la música de moda, y que se oponía a lo viejo y anticuado. En este estilo, la música busca ser sencilla y natural, comprensible y accesible para todo el público. Por esta razón se dejan de utilizar recursos complejos, como el contrapunto, la polifonía recargada o los acompañamientos densos. Uno de los primeros compositores en pasarse a este estilo moderno es un gran conocido de los pianistas: Domenico Alberti. Este rompe con los acordes y densas polifonías para presentar figuraciones más estables y sencillas. La más famosa es la que todos conocemos como El Bajo Alberti. Con este tipo de escritura, el interés musical ya pasa a estar totalmente en la melodía.
En este siglo, la forma musical predominante será la sonata. Primero la sonata a solo con bajo continuo (heredera del Barroco), y luego las sonatas italianas para violín. La sonata a trío también se separa de la suite y la fuga, y poco a poco va derivando en la sonata a solo (solosonata). Poco a poco, los típicos 4 movimientos del siglo pasado quedan reducidos a 3 movimientos.
Y lo más importante, esta sonata a solo va a crear la aparición de una moda que inunda las librerías de todo pianista. El Clasicismo es la época de la sonata para teclado. En los años 30 del siglo XVIII ya quedan definidas todas las características y elementos de la sonata para piano, que estarán presentes en las obras de Haydn, Mozart, e incluso de Beethoven.
Sin embargo, aunque la forma sonata se utilizaba frecuentemente, existieron más géneros populares, especialmente enfocados para principiantes. Se trataba de piezas binarias y sencillas danzas como el minué y la polonesa. No debemos confundir la polonesa del siglo XVIII con la del XIX. En la del siglo XVIII, las frases son más libres, el metro es ternario y generalmente se tocan en tempo moderado o lento. La mano izquierda tienen una función de soporte, sin llevar un figuración rítmica estable y específica.
De cara a los conciertos públicos, los géneros principales son la sinfonía, el concerto y la ópera. La música con voz sigue teniendo un papel muy importante y una fuerte presencia, ya que en el siglo XVIII el teatro era una especie de centro social. Allí se juntaba la gente para cerrar negocios mientras veían el espectáculo, reunirse con amigos, comer, citarse con amantes… Eso sí, en la ópera sí que seguían percibiéndose diferencias entre la alemana, la italiana, la francesa y la inglesa.
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